こんにちは。皆さんは作品のオリジナリティをどれだけ意識していますか？
　
今日の記事は「盗むことの重要性」についてです。
　
“すべてはリミックスである “という言葉を聞いたことがありますでしょうか？
　

ほとんどのプロデューサーは「自分たちだけの音を作らなければならない」という信念に縛られています。
　
ですが実際は、自分の影響を組み合わせて自分のものにすることで、オリジナリティを見つけることができるのです。
　
簡単に言うと自分がこれまでに見てきた、聞いてきた作品の「好きなところ」を組み合わせたものが自分のオリジナルということです。
　
この考え方の障壁を乗り越えれば、創造的な可能性の世界が開かれます。
　

オリジナルは存在しない説
　

オリジナルなものはない。
オリジナリティというのは、何かを始めるという意味の「オリジン」という語源から来ています。
曲を作る時、全く新しいことをしていますか？それとも何かの派生物を作っているでしょうか？
　
何かの原点を作っているのか？それとも他の作品の繰り返しなのか？
ほとんどの場合は後者ですよね。自分の受けてきた影響からは逃れることは出来ないし、逃れたいと思う必要もありません。
　
“オリジナリティの高さは起源を隠す技術にある” – 不明
　
アメリカの著述家、画家でベストセラー作家でもあるオースティン・クレオンは、自身の著書のなかでこう述べています。
　

“優れた芸術家が理解していることは、何もどこからも生まれないということです。すべてのクリエイティブな仕事は、過去に作られたものの上に成り立っています。完全にオリジナルなものはありません。”
　

新しいトラックを制作する時は、意識しているかどうかに関わらず、今まで聴いてきた音楽に引っ張られていることになります。
　
好きな曲と同じようにビルドアップを構成することもあるかもしれません。他のアーティストに似たスタイルでメロディを書くかもしれません。
　
このようなことをしても、ズルをしているわけではありません。
もちろん完全に同じメロディだったり、ほとんど変えずに自分のものにしたりするのはカンニングになりますが、メロディのスタイルをコピーしたり、リズムをコピーしてみるのはカンニングとは言えません。
　
誰かがノンフィクションの本を書くとき、彼らは自分の頭の中から完全にオリジナルのものを作ろうとはしません。ソースを使ったり、他の本や論文をたくさん読んだり、記事から引用したりします。
　
創造性とは、複数の影響を融合させて新しいものを生み出すことです。
　

アーティストは繰り返す
　

ここ数十年の間にエレクトロニック・ミュージックがどのように進化してきたかを考えると、「なぜもっと早く誰かが◯◯をやらなかったのか」と考えさせられます。
　
Xとは、Trapであったり、Future Bassであったり、2012年から13年にかけて流行したBig Roomであったり。
　
そのような音楽を作る技術は10～15年前にはあったのに、なぜ誰も作らなかったのか？

その答えは複雑なんだと思いますが、一つの説は「アーティストは繰り返す説」ことです。
音楽は進化していくものであり、普通は突如として飛躍はしません。
　
例えば初期の頃のTranceは、今で言うTechnoに近いものでした。長時間のbreakdownパートはありませんでした。ですが、時が経つにつれて変化していって長いbreakdownが主流になり、Supersawのサウンドが主流になり、BPMも比較的速くなりました。
　
現在のTranceはそれらの特徴をいくつか残しつつも、それ以上のものへと進化しています。Supersawのサウンドが無いからといってそれがTranceではないということにはなりません。
　
アーティストが反復してきたからこそ進化してきました。
　
でも、それは一朝一夕に起こったことではありません。
　

盗むことを恐れない
　

“私が勉強するのは盗めるものだけだ”
　
-デビッド・ボウイ
　

「完全なるオリジナルは存在しない」という事実と、「最高のアーティストは出所を隠している」という事実に基づくと、他人からアイデアを盗むことは理にかなっています。
　
ただ、一つのソースだけから盗むのではなく、多くのソースから盗むようにしてください。例えば、あるソースからメロディのアイデアを取ったり、別のソースからドラムのシーケンスを取ったり、さらに別の曲から曲の構成を取ったりするといった感じです。
これらをすべて一緒に合体した時、あなたのものになります。
　

誰かがまず最初に気付く
　

誰かに言われるまで自分に独特の音があるとは気付かないものです。
実際のところ、自分にはまだ独自の音があるかどうか疑問です。
　
他の人は、あなた自身よりも先にあなたに特徴的な音があることに気付くでしょう。彼らはそれを指摘しないかもしれませんが、気付くはずです。
　
鍛えたり、体重を増やそうとしたり、痩せようとしたりするのと同じです。他の人が最初に気づくのは、あなたが毎日鏡で自分を見て比較しているのに対して、あなたは毎日あなたを見ているわけではないので、他の人が最初に気付くのです。
　
頻繁に音楽を制作していると、進歩や変化を確かめるのは難しいですよね。あなたがいつその独自のサウンドを開発したのかを知るのは難しいのです。
　
ですが、あなたがそれを確認するための2つのテストがあります。
　
1. 友達に聞いてみましょう。”私の音楽には共通のテーマはあるか？”
　
2. あなたのトラックと他アーティストの別のトラックを誰かに聴いてもらいます。その後、彼らが2つの楽曲の違いを伝えることができるかどうかを確認してみましょう。(その人が他のトラックを聞いたことがある場合はこれは機能しないので注意！)。
　
　
この記事はこちらを参考に作成しています。
　
GINPEI

音楽で生計を立てる人生は一つのゴールかもしれません。
　

フルタイムの仕事をしながら音楽を作ろうとしている場合、それがどれだけ困難かは説明するまでもありません。
　

音楽に取り組むための時間とエネルギーを見つけることは、仕事や家族をサポートしていくことを考えながらではなかなか難しいことです。
　

今回は、音楽のためにもっと時間とエネルギーを見つける方法、音楽のキャリアに向いているかどうかを知る方法、音楽をフルタイムで追求するためにフルタイムの仕事を辞めるタイミングについて話します。

音楽のための時間とエネルギーの見つけ方
　

プロデューサーが抱える一番の問題は、1日8時間働いた後に制作するためのエネルギーを抱くことです。
　

9時から5時まで働いて、夕食を食べて、お風呂に入ったらもう音楽を作ることに集中するためのエネルギーが残っていませんよね。
　

Future BassやTrapのプロデューサーであるKRANEは、フルタイムでデザインの仕事をしていた時に音楽の世界に入って大成功を収めています。
　
約2年で彼は音楽をリリースし、DJのブッキングを受けるようになり、その後フルタイムで音楽を追求することにしました。

彼はプロデュースするための “エネルギー “を見つけることについてこう語っています。
　
　

僕は”趣味 “として好きになりました。
疲れた時、仕事が終わった時、休憩したい時など、音楽を作ることで自分を充電しました。
Ableton Liveに飛び込んで、いじくりまわして、ビートを作るのは楽しかったです。それが仕事の息抜きになりました。
　

　
　
KRANEにとって、音楽は彼の息抜きでした。
　
Netflixを見たり、SNSを閲覧したり、ゲームをしたりする代わりに。
　
音楽は彼が余暇に充電する方法でした。
　
これはシンプルなコンセプトです。しかし、多くのプロデューサーが特に疲れているときにスタジオに入るのを「怖がる」のです。
　
　

楽しくなければならないです。
音楽の世界に入るという選択自体、失敗が多いからこそ、自分の人生をより良い方向に変えようとしているという事実に基づいたものでなければなりません。
　
　

朝5時に起きて、仕事に行く前にビートを作っていました。
バスの中でやっていて、仕事が終わって帰ってきて夜更かししてやっていて、それが本当に楽しかったからやっていました。
　

あまりにも多くのプロデューサーは、音楽制作を雑用のように扱います。
　

彼らは音楽でキャリアを築きたいという高尚な目標を持っていますが、それを実現するための努力を惜しみません。
　

一方で、音楽を作ること以上のことを望んでいない人たちが、実際に音楽を作ることはなぜこんなにも難しいのでしょうか？

これは答えが複雑で、個人差が大きいです（子供が2人いて学生ローンを抱えている親が制作する時間を見つけられない理由は、自由な時間が十分にある大学生が制作が進まない理由とは違います）。
　
このコンセプトに対するKRANEの考えをご紹介します。
　
　

多分、多くの人は音楽がめちゃくちゃ大好きで、「自分にも音楽をプロデュースできるかもしれない」と思っているからこそ、音楽をやらなければいけないというプレッシャーを感じている人が多いのかもしれませんね。
やり始めて、気力がなくて消耗していることに気づくのは、本当に悲しいことなんでしょうね。
　

音楽への情熱と、音楽を作ることへの情熱には大きな違いがあります。
　
このように考えてみてください：人はビデオゲームをプレイするのが好きかもしれませんが、それは必ずしも彼らがビデオゲームデザイナーになるべきという意味ではありません。
　
ビデオゲームをプレイするのが好きな人は、コーディング、デザイン、アート、テストなど、ビデオゲーム開発に入るすべてのタスクを楽しむことができるかどうかを示しています。
　
言い換えれば、昨年のEDCで大成功を収めたからといって、音楽制作の基礎を学び、自分だけのサウンドを作り上げるために何時間も費やす覚悟と根性があるわけではないということです。
　

彼は音楽とプロとしてのキャリアにおける自分の立ち位置を率直に評価し、それに基づいてセーフティネットを構築しました。
　

数年前、私は請求書を支払うのに必要な最低限のことを1年かけてやっていましたが、貯金が一桁台にとどまることに不安を感じていました。
私は個人的には、音楽に効果的に取り組むために必要なエネルギーと自信を自分自身に与えるために、より財政的な一貫性が必要でした。
　

KRANEにとって、彼の飛躍の決断は計画的なものでした。
　
彼のキャリアに対する考え方から学べることは多く存在します。
　
　
引用: How to Balance Music With a 9-5 Job